Специалисты
уже давно обратили внимание на то, что искусство живописи в странах Дальнего Востока
генетически связано с искусством каллиграфии. В Японии, в частности, существует
понятие единства каллиграфических и живописных принципов. Соответственно в
японской живописи, как и в китайской, издавна большую роль играет линия и
распространены монохромные картины. Вместе с тем влияние искусства каллиграфии
на живопись Японии не следует преувеличивать. Характерно, например, что во
времена японского средневековья довольно долго основным течением в живописи
было суйбокуга. Произведения в стиле суйбокуга создавались тушью, при этом
показывалась игра света и тени на предметах, но отсутствовали контурные линии.
Развитию
японской живописи способствовали контакты с континентом, откуда в начале VII
века было позаимствовано искусство изготовления красок, бумаги и туши.
Большое
значение для судеб японской живописи, равно как и скульптуры, имело
распространение в стране буддизма, поскольку потребности буддийской культовой
практики создавали определенный спрос на произведения этих видов искусства.
Так, с X века с целью распространения среди верующих знаний о событиях
буддийской священной истории в массовом порядке создавались так называемые
эмакиномо (длинные горизонтальные свитки), на которых изображались сцены из
буддийской священной истории или из связанных с нею притч.
Японская
живопись в VII веке была весьма еще проста и безыскусна. Представления о ней
дают росписи на ковчеге Тамамуси из храма Хорюдзи, отображавшие те же сцены,
которые воспроизводились на эмакимоно. Росписи выполнены красной, зеленой и
желтой краской на черном фоне. Некоторые росписи на стенах храмов, относящиеся
к VII веку, имеют много общего с аналогичными росписями в Индии.
По мере
дальнейшего распространения буддизма возник массовый спрос на культовые
изображения. В связи с этим профессия художника стала очень распространенной,
причем уже в VII веке среди мастеров, занятых созданием картин, развивалась
даже специализация: одни делали общий набросок рисунка, другие раскрашивали
его, третьи обводили контуры.
Рисунки на полотнищах
эмакимоно в VII-VIII веках имели весьма простой, близкий к символическому
характер, изображениям не хватало динамики. Однако с течением времени
художественное качество рисунков эмакимоно возросло, и лучшие из них весьма
выразительны и совершенны.
С VIII века в
Японии начинается развитие жанровой и пейзажной живописи. До наших дней дошла
ширма под условным названием “Женщина с птичьими перьями”. На ширме изображена
женщина, стоящая под деревом, волосы и кимоно ее украшены перьями. Рисунок
исполнен легкими, струящимися линиями.
Для
буддийской живописи с IX века характерными являются изображения мандалы, что на
санскрите означает алтарь. При создании мандал использовались дорогостоящие
материалы. Например, “Такао мандала”, хранящаяся в монастыре Дзингодзи,
написана золотом и серебром на плотном фиолетовом шелке.
Первоначально
японские художники, отчасти в связи с характером тематики, над которой они преимущественно
работали (буддийская живопись), находились под сильным китайским влиянием:
писали в китайском стиле, или стиле кара-э. Но со временем в противовес
картинам в китайском стиле кара-э стали появляться светские по тематике картины
в японском стиле, или стиле ямато-э (живопись Ямато). В Х—XII веках стиль
ямато-э стал господствующим в живописи, хотя произведения сугубо религиозного
характера все еще писались в китайском стиле. В этот период получила
распространение техника нанесения контуров рисунка мельчайшей золотой фольгой. В XI—XII
веках появилось много выдающихся по технике исполнения произведений чисто
светской живописи, включая портретную. Многие художники-профессионалы создавали
картины только на светские темы, такие картины изображали и на складных ширмах
и сёдзи.
Одним из
образцов исторической живописи эпохи Камакура является знаменитый свиток XIII
века “Хэйдзи-моногатари”, на котором запечатлено восстание, поднятое в 1159 г.
главой крупного самурайского клана Ёситомо Минамото. Как и миниатюры в
древнерусских летописях, свитки, подобные “Хэйдзи-моногатари”, являются не
только выдающимися памятниками искусства, но и историческими свидетельствами.
Соединяя текст и изображение, они воспроизводили по горячим следам бурные
события княжеских усобиц второй половины XII века, воспевали военные подвиги и
высокие моральные качества вышедшего на арену истории нового военно-дворянского
сословия — самураев.
О
художественных достоинствах исторических самурайских эмакимоно (свитков)
указанного времени можно судить по фрагменту из “Хэйдзи-моногатари” с
изображением одного из эпизодов войны — “Битвы у Рокухара”. При яростном
динамизме сцены и яркости ее художественного решения не устаешь удивляться степени
проработанности отдельных деталей. А ведь это лишь один из фрагментов свитка!
Выразительны лица захлебнувшегося в крике, атакующего всадника с огромным луком
в руках и мечом на поясе и бегущего справа от него пехотинца. Отлично выписана
черная лошадиная голова на переднем плане. Более условны, почти как маски
театра. Но, напряженные лица самураев на заднем плане. Но и они поданы в
броске, в движении. Развеваются красные ленты за шлемом бегущего слева воина с
колчаном стрел за плечами, напряженно прижат к груди локоть его левой руки.
Мастерство художника в передаче движения, жеста не может не вызвать восхищения.
И при этом — свободное владение всем многообразием цветовых оттенков, профессиональная
точность в воспроизведении деталей самурайских доспехов, оружия, конской сбруи.
С конца XVI
века основными формами живописи становятся стенопись, картины на складных
ширмах. Произведения живописи украшают дворцы аристократов, дома горожан,
монастыри и храмы. Развивается стиль декоративных панно — дами-э. Такие панно
писали сочными красками на золотой фольге.
Признаком
высокого уровня развития живописи является существование в конце XVI века ряда
живописных школ, в том числе Кано, Тоса, Ункоку. Сога, Хасэгава, Кайхо.
Выдающиеся картины, созданные в этот период, принадлежат не только известным
живописцам, но и оставшимся безвестными мастерам.
В течение
XVII—XIX веков исчезает ряд некогда прославленных школ, но их место занимают
новые, такие, как школа гравюры на дереве укиё-э, школы Маруяма-Сидзе, Нанга,
европейской живописи, а также школа, ратовавшая за возрождение в живописи стиля
ямато-э, т. е. старого японского стиля.
Центрами
культуры и искусства позднего средневековья (оно затянулось в Японии
практически до XIX века) становятся наряду с древними городами Нара и Киото
новая столица Эдо (современный Токио), Осака, Нагасаки и др. Расцвет
специфической городской культуры и сопутствующих видов искусства определил основное
направление развития японского искусства в XVII—XIX веках. При этом подверглись
изменению как формы “бытования” искусства, так и его общественная функция. Высочайшего
уровня достигла также гравюра на дереве, ставшая в XVIII—XIX веках главных
видом японского искусства.
Вообще
искусство эпохи Эдо (1615—1868) характеризуется особым демократизмом
(потребителями его являются самые широкие круги горожан — третьего сословия) и
сочетанием художественного и функционального. Примером такого сочетания
является живопись на ширмах. Ширма — вещь, имеющая точное функциональное
назначение в интерьере японского жилища, предмет быта. Одновременно это —
картина, произведение искусства, определяющее эмоциональный тонус жилища,
предмет эстетического созерцания. Именно на парных ширмах написаны “Красные и
белые цветы сливы” — самое значительное и знаменитое из сохранившихся
произведений великого художника Огата Корина (1658—1716), шедевр, по праву
причисляемый к лучшим созданиям не только японской, но и мировой живописи.
Интересна
судьба упомянутой выше гравюры на дереве — укиё-э. В свое время, в прошлом
столетии, Европа, а затем и Россия именно через гравюру впервые познакомились с
феноменом японского искусства. Между тем в самой Японии гравюру на дереве
первоначально вообще не считали искусством, таким, как живопись на ширмах или
на свитках. Возникшая на стыке искусства и ремесла, японская гравюра действительно
имела все признаки массовой культуры — тираж, доступность, дешевизну. Не
случайно ее так и назвали — “укиё-э” (слово “укиё” означает в переводе темное,
мирское, обиходное”). Мастера укиё-э добивались максимальной простоты и
доходчивости как в выборе сюжетов, так и в их воплощении. Сюжетами гравюр были
в основном жанровые сценки из повседневной жизни города и его обитателей: торговцев,
артистов, гейш.
Укиё-э, как
особая художественная школа, выдвинула целый ряд первоклассных мастеров.
Начальный этап в развитии сюжетной гравюры связан с именем Хисикава Моронобу
(1618—1694). Первым мастерам многоцветной гравюры был Судзуки Харунобу,
творивший в середине XVIII века. Главные мотивы его творчества — лирические
сцены с преимущественным вниманием не к действию, а к передаче чувств и настроений:
нежности, грусти, любви. Подобно древнему изысканному искусству эпохи Хэйан,
мастера укиё-э возрождали в новой городской среде своеобразный культ утонченной
женской красоты, с той только разницей, что вместо гордых хэйанских
аристократок героинями гравюр стали изящные гейши из увеселительных кварталов
Эдо. Художник Утамаро (1753—1806) представляет собой, может бьть, уникальный в
истории мировой живописи пример мастера, безраздельно посвятившего свое
творчество изображению женщин — в разных жизненных обстоятельствах, в
разнообразных позах и туалетах. Одна из лучших его работ — “Гейша Осама” находится
в Москве, в Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Необыкновенно
тонко передано художником единство жеста и настроения, освещения и выражения
лица.
Высочайшего
уровня жанр японской гравюры достиг в творчестве Кацусика Хокусая (17СО—1849).
Ему свойственны неизвестные ранее в японском искусстве полнота охвата жизни,
интерес ко всем ее сторонам — от случайной уличной сцены до величественных
явлений природы. Творческая судьба Хокусая необычна. Плодовитейший мастер, —
ему принадлежит свыше 30 тысяч гравюр и рисунков, более 500 иллюстрированных
книг, — он обрел творческую индивидуальность лишь в преклонном возрасте,
накопив за долгую жизнь великое множество знаний, навыков, умений, достигнув
подлинной мудрости в видении мира и человека. В возрасте 70 лет Хокусай создает
свою самую знаменитую серию гравюр “36 видов Фудзи”, за нею последовали серии
“Мосты”, “Большие цветы”, “Путешествия по водопадам страны”, альбом “100 видов
Фудзи”. Каждая гравюра — ценный памятник живописного искусства, а серии в целом
дают глубокую, своеобразную концепцию бытия, мироздания, места человека в нем,
традиционную в лучшем смысле слова, т. е. укорененную в тысячелетней истории
японского художественного мышления, и совершенно новаторскую, временами
дерзкую, по средствам исполнения.
Блистательно
возродив пейзажный жанр, давший в средние века такие шедевры, как “Зимний
пейзаж” Сэссю, Хокусай вывел его из канона средневековья прямо в художественную
практику XIX—XX веков, оказав и оказывая влияние не только на французских
импрессионистов и постимпрессионистов (Ван-Гога, Гогена, Матисса), но и на
русских художников “Мира искусства” и другие, уже современные нам школы.
Искусство
цветной гравюры укиё-э явилось в целом прекрасным итогом ,и, может быть, даже
своеобразным завершением неповторимых путей японского изобразительного
творчества.
